Berliner Philharmoniker, Leitung Gustavo Dudamel, Alte Oper Frankfurt, 05.11.2018

Gustavo Dudamel und die Berliner Philharmoniker (Foto: Stephan Rabold)

Eine sinfonische Dichtung von bleibender Aktualität

Ein Konzert mit politischer Botschaft und humanistischen Idealen. Gustavo Dudamel (*1981) und seine Berliner Philharmoniker hatten dazu zwei Werke zweier Komponisten ausgewählt, die zu ihrer Zeit die Welt bewegten, und bis heute noch die Gemüter beherrscht: Die Sinfonie Nr. 1, genannt Jeremiah (1942/1944), von Leonard Bernstein (1918-1990) und die Sinfonie Nr. 5 d-Moll op. 47 (1937) von Dimitri Schostakowitsch (1906-1975).

Leonard Bernstein verstand seine Sinfonie von Anfang an als Anklage an Faschismus und Holocaust, die Anfang der 1940er Jahre ihrem globalen apokalyptischen Höhepunkt zustrebten. 1942 entstanden und 1944 in Pittsburgh (USA) uraufgeführt, gehörte diese dreiteilige sinfonische Dichtung, die der biblischen Geschichte des Propheten Jeremia folgt, zum besten neuen klassischen Werk in der Saison 1943/44 in Amerika und besiegelte den Weltruhm des Komponisten. Bernstein, der ursprünglich eine Karriere als Rabbi plante, folgt darin dem Beispiel Beethovens und Mahlers, indem er im Schlusssatz die Klagelieder des Jeremias von einer Mezzosopranistin singen lässt.

Instrumental vorbereitet in Prophecy (Largamente) und Profanation (Vivace con brio), erhebt sich dieses Werk von der Weissagung über die Entweihung des Tempels bis zur Klage, der Lamentation (Lento) des Jeremias über die Zerstörung Jerusalems durch die Babylonier unter Nebukadnezar (587 v. Chr.), was dem Königreicheich Juda ein Ende bereitete.

Was Dudamel, die Mezzosopranistin, Tamara Mumford, und die Berliner Philharmoniker daraus machten, gehörte zu den interpretatorischen Denkwürdigkeiten eines klingenden Mahnmals gegen Gewalt und Unterdrückung. Es begann mit drohenden Blechbläserfanfaren und dissonanten Akkorden. Grollende Bleche und extreme Crescendi ließen die Allgewalt Gottes spüren. Mit den Jericho-Trompeten wurde der Fall Jerusalems vorhergesagt. Die Profanation oder Entweihung des Tempels, ein pochendes, mit Synkopierung durchsetztes Scherzo, enthielt Anklänge an Bernsteins spätere West Side Story. Splitter aus I want to be in America waren herauszuhören und verwiesen unmissverständlich auf die Rettung der Verfolgten und Geschundenen.

Die abschließende Lamentation wurde zu einem jüdischen Herzensgebet, gesungen in hebräischer Sprache,  mit einem Schuss Anklage, Wut und Verzweiflung. Mumford, eine weltbekannte Opernsängerin mit Wagnerischer Fülle, bot hier großen Gesang mit ergreifenden Passagen. Stimmgewaltig verschmolz sie mit dem feingliedrigen und zuweilen flächig homophonen und emotional aufwallenden Orchester, ohne je an Kraft einzubüßen. Dudamel zeigte gerade hier sein inspiratives und integratives Vermögen, und stellte sein Temperament ganz in den Dienst der kompositorischen Absicht.

Tamara Mumford  (Foto: Teatro Nuovo)

Statt einer Apotheose ein Libera me

Dimitri Schostakowitschs Fünfte gehört zwar nicht zu seinen eindrucksvollsten und innovativsten Werken, dafür aber ist es sein bemerkenswertes, da während der stalinistischen Schauprozesse (1937/38) geschrieben. Vorausgegangen war ein, vermutlich von Stalin höchstpersönlich verfasster Artikel in der Prawda, worin ihm, bezogen auf seine 1935 uraufgeführte Oper Lady Macbeth von Mzenk, Formalismus und dekadenter Modernismus vorgeworfen wurde. Zur damaligen Zeit ein absolutes Todesurteil. Bekanntlich übte Schostakowitsch Selbstkritik (so lautet der Untertitel dieser Sinfonie: „Die praktische schöpferische Antwort eines sowjetischen Künstlers auf eine berechtigte Kritik“) und überlebte die Säuberungsphase. Aber seine Existenz veränderte sich fundamental. Angst und Rückzug bestimmten seine Zukunft, was sich musikalisch auch in der Sinfonie Nr. 5, seinem Folgewerk nach der Oper, niederschlug.

Und dennoch verstand es der Komponist, seine erzwungenen Kompromisse in eine Musik voller Allusionen und versteckter Kritik einzubetten. In nur drei Monaten schrieb er eine Partitur der Anklage, die allerdings von den Kulturpäpsten nicht verstanden wurde, denn das Werk hatte unvergleichlichen Erfolg.

Was aber geht in diesem Werk vor? Im Aufbau den Werken von Beethoven, Mahler oder Tschaikowskys ähnlich (viersätzig mit Moderato, Allegretto, Largo und Allegro ma non troppo), erzählt Schostakowitsch eine dramatische, konfliktreiche Geschichte. Über allem steht der persönliche Groll. So beginnt der erste Sonatensatz (Moderato) mit aufsteigenden und fallenden Sexten, gefolgt von punktierten Achtelnoten, die in ein Klagemotiv münden. Militärtrommeln und Trompeten leiten die disparate Durchführung in einen aufbrausenden Marsch über. Eine Reprise im Wechselspiel von Trauer, Klage, Widerstand und Wut leitet ein Allegretto von bitterem Dreivierteltakt ein. Ein Ländler, ein Menuett, ein Walzer? Man weiß es nicht. Alles klingt drohend, wie eine Anklage. Der Tanz lässt die Knie zittern. Und dann das Largo. Eine Ruhe vor dem Sturm. Sehnsuchtsvoll die Streicher, bedrohlich allerdings die Bässe. Dann heftige Tremoli und erschütternde Klänge der Bläser. Ein Dies Irae voller Angstschweiß, eine Chromatik ohne Hoffnung.

Der Schlusssatz wurde lange Zeit als Apotheose im Stile Beethovens beschrieben. Schostakowitsch schrieb 40 Jahre später dazu: „Das ist doch keine Apotheose. Man muss schon ein kompletter Trottel sein, um das nicht zu hören.“ Harte Worte. Aber wie recht er hat. Das Allegro ist ein Parforceritt ins Verderben. Ein Libera me mit Militärtrommeln, Paukenschlägen und wütenden Orgelpunkt-Tremoli. Statt „schöpferische Antwort auf berechtigte Kritik“ eher ein Höllengewitter und Faust ballen. Ein Heulen und Zähneknirschen.

Gustavo Dudamel und die Berliner Philharmoniker (Foto: Stephan Rabold)

Dudamel und sein genialischer Klangkörper (seit 10 Jahren begleitet er regelmäßig dieses einzigartige Orchester, das zurzeit von Kirill Petrenko geleitet wird) schafften mit den beiden Sinfonien ein zeitgenössisches Ausrufezeichen: eine politische und moralische Anklage gegen Gewalt und Unterdrückung, eine Nachdenklichkeit in geistigen und philosophischen Krisenzeiten. Der Schlusstext des Lamentos aus Bernsteins Erster Sinfonie, ein vom Wahnsinn getragenes Stoßgebet von Gesang (mit einer bestechenden Tamara Mumford) und Orchester, könnte dem Konzertabend einen tieferen Sinn verleihen: „Warum willst du uns für immer vergessen, uns verlassen alle Tage? Bringe uns zurück, o Herr!“